Ivan Vargas

El honor de los Prizzi

2007-10-31T15:33:00.001+01:00

Repasando la filmografía del excelso John Huston en su labor como director, hay algo que me llama poderosamente la atención. No se trata de la idea casi unánime que lo eleva al olimpo de los cineastas, sus grandes éxitos en diferentes géneros, ni que en una carrera de casi cincuenta años el número de sus obras que merecen ser olvidadas sea tan corto.

Lo que en mayor medida despertó mi interés es la gran cantidad de estrellas masculinas del celuloide que pasaron por sus manos, o más concretamente trabajaron bajo sus órdenes (se trata de un matiz necesario en el caso de que nos lea un homófobo del calibre del director que nos ocupa).

Así, a Bogart, James Stewart, Henry Fonda, Paul Newman o Burt Lancaster, hay que añadir el infravalorado Silvestre Stallone, que a estas alturas está triunfando como merece en los cines con la sexta entrega de uno de sus personajes más queridos, un trozo de pan de 90 kilos al que si no fuera por el doblaje estilo Santiago Urrialde se trataría de otro modo dentro de nuestras fronteras.

Tras este onanista desvío argumental, continuaré diciendo que la nómina de importantes actores que ha trabajado bajo la batuta de Huston, se ve incrementada en el caso que nos ocupa con Jack Nicholson, el cual interpreta el papel de Charley Pantanna, brazo armado de una de las familias con mayor poder dentro de la mafia. Parece que su futuro es claro: servir a los Prizzi. Pero las cosas no son tan sencillas como parece, ya que mientras que la hija de su Don está enamorada de él, Charley conoce a Irene Walter (Kathleen Turner) una asesina a sueldo contratada por la familia para acabar con la vida de alguien que los ha traicionado.

De este modo, el peso de la acción fílmica cae sobre Jack Nicholson, el cual ha sido desde sus comienzos un especialista en interpretar papeles de tipo duro o con ciertos desórdenes mentales. A este respecto, en el primer grupo encontramos filmes como Algunos hombres buenos, mientras que en segundo, vienen a mi mente los casos de Alguien voló sobre el nido del cuco o la terrorífica El Resplandor, cuyo recuerdo provoca que una lágrima recorra mi mejilla, ¡Dios mío que doblaje!.

“La hija de…”

Por lo que respecta al papel de la hija del capo di tutti capi, fue precisamente la vástago del propio Huston la seleccionada. Se trata de un movimiento que años más tarde seguiría Francis Ford Coppola en la tercera entrega de El Padrino, eligiendo a Sophia para el papel de hija de Al Pacino. Este punto podría pasar del campo de la casualidad si no fuera porque la directora de las maravillosas y trepidantes (¡ja!) Vírgenes Suicidas y Lost in Traslation no ha podido, puede, ni podrá, jamás ser considerada como actriz. Sin embargo, Anjelica ha mostrado a lo largo de su dilatada y exitosa carrera de todo lo que es capaz. (y si, recuerdo la Familia Adams) obteniendo el beneplácito de público y crítica en múltiples ocasiones. Tal es el caso de la película que nos ocupa (actuación que la valió un Oscar), Enemigos (1989) o Los timadores (1990), lo cual significó sendas nominaciones al citado galardón.

La segunda femme fatale del film no es otra que Kathleen Turner, la cual no desafina dentro de la orquesta dirigida por Huston, si bien no llega las cotas de calidad que destilan la hija del jefe y el actor que destrozó el personaje del Jocker hasta provocar mi perdida de fe en las películas de superhéroes. Menos mal que llegó Nolan…

La edición en DVD

Si estableciéramos una ley matemática en torno al film que nos atañe, podríamos enunciarla del siguiente modo: Todo lo bueno que tiene la presente película en cuanto a detalles puramente artísticos, es inversamente proporcional a lo pobrísimo de su edición. De este modo, a una imagen simplemente correcta y con excesivo grano (sobre todo en las escenas nocturnas) le acompaña un sonido mono que si bien no destaca, tampoco desentona dentro del conjunto, sobre todo si hablamos de la versión original, donde la voz de Corrado Prizzi pondrá los pelos de punta a más de uno.

Iván Vargas

El honor de los Prizzi

2007-10-31T15:33:00.000+01:00

Doce del patíbulo

2007-01-26T13:06:00.000+01:00

Aunque alejado de la actual forma, en la que espectaculares efectos especiales, cantidades ingentes de sangre y demás artificios encierran guiones vacuos y personajes poco creíbles, el cine bélico ha sido un género fuertemente entroncado con la historia.

Nacido con la intención de exaltar los valores patrióticos –sobre todo en tiempos de crisis- este tipo de cine, que comienza con la archiconocida película de Griffith, “El nacimiento de una nación”, cuenta con algunos filmes que cualquier buen aficionado al mundo del celuloide guarda en letras de oro dentro de su retina.

¿Quién no recuerda el cartel estelar de “El día más largo”, la maravillosa recreación histórica de “Los cañones de Navarone”, la personalidad del protagonista de “Patton” o la pegadiza melodía de “El puente sobre el Río Kwai”?. Pero para ser fieles a la verdad, este póker de obras maestras quedaría cojo si nos olvidáramos de la película que nos atañe, “Los doce del patíbulo”, obra maestra del género que de forma inexplicable tan solo obtuvo un Oscar ( Mejores Efectos de Sonido ) de los cuatro a los que estuvo nominada.

Hemos tenido que esperar más de un cuarto de siglo para poder disfrutar en nuestro dvd de esta pieza imprescindible en la que su director Robert Aldrich nos imbuye por medio de un sólido argumento y una historia consistente, en plena Segunda Guerra Mundial.
Nos encontramos con el díscolo Coronel Reisman ( interpretado por Lee Marvin ), un veterano de guerra con un expediente tan repleto de hazañas y acciones heroicas como de graves faltas disciplinarias debidas a desacatos a sus superiores, que recibe una misión suicida: hacerse cargo de un grupo de doce convictos ( de ahí, como habrán supuesto, el título del filme ) y convertirlos en un grupo de soldados de elite capaces de llevar a buen puerto la difícil operación de asaltar una fortaleza de descanso nazi y matar a sangre fría a todos los integrantes del ejército alemán que encuentren a su paso, amén de destruir –en la medida de lo posible- el recinto. Su recompensa: la conmutación de las penas a los supervivientes.

Parece una misión imposible para el coronel, sobre todo cuando conoce a “sus hombres”, entre los que se encuentran asesinos, reprimidos sexuales o disminuidos mentales. En fin, un verdadero mosaico en el que se mezclan la más extraña amalgama de personalidades. Pese a que todo parece ponerse en contra de Reisman ( personaje que parece calcado por Clint Eastwood en “El Sargento de Hierro” ), éste no se amilana y consigue –tras duros meses de entrenamiento- convertir a la tropa en un grupo homogéneo, disciplinado y capaz de responder en situaciones límite. ¿Será esto suficiente para que logren el objetivo que les ha sido asignado?.

Aunque a primera vista parece que vamos a ver en nuestro dvd un título básicamente bélico, en el que muertes y explosiones se sucederán sin ningún tipo de hilo conductor, la realidad es completamente distinta, ya que la parte puramente bélica del filme apenas dura veinticinco minutos. Se trata del citado ataque al castillo alemán, una magistral secuencia repleta de acción y tensión constante en la que nuestros protagonistas ponen en práctica el plan en el que han estado trabajando durante largo tiempo y que han memorizado punto por punto.
Este interesante argumento, junto a un buen guión salpicado de incisivas dosis de humor, convierte a la cinta en imprescindible.

A esto hay que sumar una nómina interminable de estrellas, entre las que podemos destacar a Lee Marvin, Charles Bronson, Donald Sutherland o John Cassavetes, sin ir más lejos. Estos rostros conocidos por la mayoría de nosotros, encarnan personajes que poseen su propia trama e importancia en el desenlace de la película, provocando que nos involucremos en sus objetivos y que suframos con sus problemas.

Se trata, en resumen, de un film que independientemente de los gustos de los espectadores, deja un poso, una sensación de haber disfrutado de una obra maestra, una pequeña joya de un poco más de dos horas que explica bien a las claras porque el cine es también llamado el séptimo arte. Sólo una pega, el haber esperado tanto para tenerla en nuestras manos, pero ya se sabe: lo bueno se hace esperar.

Ivan Vargas en EDLIM

The Core

2007-01-25T17:46:00.000+01:00

Hace un lustro apareció con fuerza un nuevo género que contó con el total beneplácito del público. Se trataba del catastrofista y podía resumirse básicamente en lo siguiente: un grupo de personajes anónimos se veían obligados a convertirse en auténticos héroes a fin de librar a nuestro planeta de distintos peligros que amenazaban con destruirlo.

Títulos como “Independece Day”, “Armageddon” o “Deep Impact” se convirtieron en paradigma de una remesa de filmes que tuvo irregulares resultados comerciales, estéticos e intelectuales. Después –tras los fatídicos atentados del 11 de septiembre, y visto que no estaba la situación para ahondar en las heridas abiertas de la sociedad americana- este tipo de cine entró en un prematuro ocaso.

Pero la situación parece haber cambiado, y títulos como el que nos ocupa ( al que hay que sumar el recién estrenado en las pantallas españolas, “El día después de mañana” ) parecen resucitar esta forma de hacer cine que también tuvo gran acogida en los años setenta y que cuenta con una legión de seguidores que acuden en tropel al cine para disfrutar de explosiones, saltos, situaciones límite e intuyendo como sería un cataclismo en la Tierra, sabiendo –claro está- que a la salida del cine todo seguirá igual.

En el caso de “The Core”, de forma súbita, y sin ningún tipo de razón aparente, el núcleo de nuestro planeta ha dejado de rotar, lo cual ha repercutido en un deterioro del campo electromagnético de la Tierra, provocando una ola de catástrofes que amenaza con desolar la humanidad a muy corto plazo. Así, mientras que en Boston fallecen más de una treintena de personas en un radio de pocas manzanas, el famoso puente Golden Gate de San Francisco se derrumba, sepultando consigo a cientos de conductores.

Pero la catástrofe, al contrario de lo que suele acontecer en la mayoría de filmes de este tipo, no se limita tan solo a los Estados Unidos, pues también se extiende a lugares emblemáticos de nuestro continente. Observamos atónitos como los cimientos del Coliseo de Roma se desploman frente a cientos de visitantes o como en Trafalgar Square una extensa bandada de palomas pierde el control y provoca el pánico entre los transeúntes londinenses.

A la vista de los acontecimientos, los miembros del Ejército y el Gobierno deciden poner el futuro mundial en las manos de Josh Keyes ( interpretado por Aaron Eckhark ), un profesor universitario especializado en geofísica, y el cual –junto a un equipo formado por alguno de los mejores científicos del mundo- conformará la tripulación de una nave subterránea diseñada por uno de ellos y pilotada por la Mayor Rebecca “Beck” Childs ( a la cual da vida la oscarizada Hilary Swank ) que tendrá como misión detonar un dispositivo nuclear a fin de reactivar el núcleo y que todo vuelva a la normalidad.

Dirigida por el debutante Jon Amiel, esta obra, pese a que en un principio parece recordarnos argumentalmente a otras cintas de este género como la mencionada Armageddon ( sobre todo en lo que a la forma de reclutar a los integrantes de la misión se refiere ), más tarde cambia su registro hasta hacernos pensar que estamos en un viaje al centro de la Tierra al estilo Julio Verne y que en cualquier momento vamos a encontrarnos con un dinosaurio de magnas proporciones o la ciudad perdida de Atlantis.

Pero todo se queda ahí, y este es uno de los problemas de la obra, pues el espectador tal vez eche en falta un poco más de acción, algo a lo que tampoco ayuda demasiado la banda sonora, en la que Christopher Young –en su intento de dar ritmo a la narración- “obsequia” a nuestros oídos con una música plagada de altibajos y que llega incluso a molestarnos por momentos, provocando una pérdida de tensión.

Por otro lado, los efectos especiales, si bien no brillan por su excesiva brillantez, si dotan al rollo de una gran espectacularidad, sobre todo cuando se intentan obtener resultados sencillos y no grandes alardes ornamentales en los que se cojea un poco.

Los Extras

La edición en DVD es el complemento perfecto a la película, pues como contenidos extra, esta superproducción cuenta tanto con el trailer como con el making of de la misma, sin olvidar los comentarios del Director Jon Amiel.
Mención aparte merecen las escenas no editadas, que si bien no sirven para añadir nada nuevo al argumento, si harán las delicias de los devotos de este tipo de filmaciones. A esto hay que añadir el extra para mi más importante y donde se dejan “al desnudo” los efectos especiales. Éste nos servirá para descubrir –entre otros- el reto que supuso diseñar y construir la nave a tamaño real o la dificultad en la creación de la geoda gigante que la Virgil atraviesa en su camino al centro de la Tierra.

Iván Vargas en EDLIM

El Capitán Alatriste

2006-09-04T17:43:00.000+02:00

Me gusta Arturo Pérez Reverte. No, no es simplemente una declaración de amor made in “El diario de Patricia”. Se trata de una admiración a su forma de escribir, a la trama de sus historias, a la profundidad de sus personajes, a sus giros argumentales…

De ahí que cuando leí que el escritor alababa la adaptación cinematográfica de su obra más conocida me sentí en la necesidad de ir al cine ver la última película de Diaz Yañes, ¡en qué hora!.
Con la fotografía como único elemento digno de no ser denostado, “Alatriste” presenta un argumento carente de linealidad, coherencia e interés. La no-historia provoca que pasemos de un lustro a otro tan solo en unos segundos mientras que debemos las batallas son cortas, fugaces, precoces como si de un quinceañero se tratara.

Un neoyorkino en León

Un amplio reparto repleto de rostros conocidos del cine español se ve “coronado” por un Viggo Mortensen, un actor apenas conocido por el gran público hasta su aparición como Aragorn en la trilogía de “El Señor de los Anillos” ( o si no, que levante la mano el primero que recuerde sus actuaciones en “Atrapado por su pasado” o “Pánico en el túnel” ) y que en un alarde de “profesionalidad” decicidió utilizar su propia voz para el personaje en vez de ser doblado. El resultado ya lo pueden imaginar.

Con todo y con eso, el neoyorkino con acento argentino y cuyas frases acaban con una ristra interminable de eses, es bastante más creíble en su papel que –entre otros- un lineal Javier Cámara, el orondo Juan Echanove (lo que me lleva a pensar que escribiría Quevedo si levantara la cabeza), Eduardo Noriega, Unax Ugalde encarnando a un Íñigo Balboa que con 12 años tiene acento madrileño y que tras diez años viviendo en la capital recupera su acento vasco (¿?) o Blanca Portillo en su papel de Fray Emilio Bocanegra

¡Por favor, que alguien me explique que se buscó con la absurda idea de elegir una “actriz” –permitaseme la licencia- para encarnar uno de los mejores personajes de las novelas de Reverte y ridiculizarlo con su actuación hasta convertirlo en una parodia de si mismo!.

Si la explicación es coherente, y no le resulta muy molesto, que continue con el resto de miembros del reparto y dirección.

El Reino de los Cielos

2006-07-11T14:48:00.000+02:00

Que Ridley Scott es uno de los directores más importantes de la industria de Hollywood es un dato incontestable con tan solo echar un leve vistazo a su filmografía: "Blade Runner", "Alien" o "Thelma y Louise" son clara muestra de ello. Pese a esto, tampoco es menos cierto que todo buen escribano puede tener algún borrón, y aunque sinceramente pensaba que con la insufrible "Teniente O´Neal" ya se había cumplido el cupo con creces, estaba equivocado.

Tomando la línea

Hace un lustro, Scott estrenó "Gladiador", más de cien minutos de cine de calidad en los que se mezclaban épica, emotividad y espectacularidad. Su protagonista era el camaleónico Russell Crowe, que pese a ese aspecto de tabernero galés, ha conseguido siempre llenar completamente la pantalla en cualquiera de sus apariciones cinematográficas.

Desde la citada narración de la vida del romano Maximus, muchas han sido las películas que, intentado seguir la estela de ésta, se han centrado en mostrar relatos seudo-históricos generalmente carentes de calidad en sus guiones y, por que no decirlo, en sus repartos. Entre estos ejemplos encontramos "joyas" como "Arturo", con un fútil Clive Owen al que sus fieles defienden con el frágil argumento de su pasada nominación a los Oscar, premios –por otra parte- carentes de cualquier tipo criterio (y si no que alguien me explique como Tom Hanks tiene el doble de galardones que Al Pacino).

Lamentablemente, a esta nómina de intentos sin éxito habrá que unir ahora "El Reino de los Cielos", obra que nos ocupa en estas líneas y que no llega más allá de ser una película para pasar el rato después de comer y servir de previa a "Pasión de Gavilanes".

La historia

Nos encontramos en la fascinante Edad Media, Balian (Orlando Bloom), un pobre herrero sin futuro en su aldea tras cometer un atroz crimen para vengar la muerte de su familia recibe una inesperada visita. Se trata de un noble caballero reconocido por el rey de Jerusalén, Godofreo de Ibelin, que ante la sorpresa de nuestro herrero resulta ser su padre.
Godofreo ha recorrido media cristiandad en busca de su hijo ilegítimo para que le acompañe a Tierra Santa a luchar en las Cruzadas. Aunque al principio no estaba muy por la labor (¿quién estaría contento de ir a una guerra a matar musulmanes sin ser un soldado yankee de 110 kilos?), finalmente sucumbe ante la idea de un destino donde empezar de nuevo y expiar sus pecados.

Pero a mitad de su aventura, el señor de Ibelin muere, siendo su único hijo el heredero de su tierra y su título en la ciudad de Jerusalén, una tierra sacudida por la guerra y dividida en dos grupos que pugnan por imponerse. De un lado, aquellos que persiguen la guerra contra los infieles, por otro aquellos que creen en una convivencia pacífica entre las distintas culturas y religiones. Por su parte, los musulmanes, encabezados por el enigmático Saladino se mantienen alerta a las puertas de Jerusalén ante la posibilidad de recuperar la Ciudad Santa.

Es en este inestable momento cuando nuestro joven e inexpresivo protagonista cruzará su destino con el de la joven, hermosa y casquivana princesa Sibylla, hermana de un rey moribundo bajo cuyo mando servirá en lo que se convertirá en el reto más importante de su vida.

Se trata, en resumen, de una buena premisa que con el paso del metraje va quedándose en maletas de un viaje a ninguna parte, pese a que nos vemos rodeados de un completísimo trabajo de producción y una interesante narración que nos dan motivos para ver por completo la historia protagonizada por un Orlando Bloom al que su paso por la Tierra Media le ha salido muy rentable.

Iván Vargas en Edición Limitada DVD

Be Cool

2006-07-11T13:33:00.000+02:00

Allá por el año 1977 una película logró revolucionar el panorama cinematográfico de la época. Se trataba de “Fiebre de Sábado Noche”, paradigma de la música disco y reflejo de la sociedad americana de clase media-baja. Su protagonista, Tony Manero, una especie de macarra de recreativos con el cuello almidonado y representado por un hasta entonces desconocido John Travolta. Este filme supuso el lanzamiento al estrellato de su por aquel entonces imberbe protagonista, que tras éste protagonizó otro destacado título musical, Grease.
Parecía el típico camino de vino y rosas para el chico del hoyuelo: guapo, buen bailarín e ídolo de jovencitas.

Sin embargo, una serie de malos consejos traducidos en erróneas medidas le sumieron en un profundo coma cinematográfico. Entre estas “brillantes” decisiones quedan perlas como la de rechazar los papeles protagonistas de “Oficial y Caballero” o “American Gigoló” -para dicha del budista con aspecto de recién levantado Richard Gere- a fin de aceptar otros del calado de “Impacto”, “Cowboy en la ciudad” o “Tal para cual”.

Muchos años hubieron de pasar hasta que el visionario director Quetin Tarantino logrará sacar a Travolta de un colapso tan sólo interrumpido por esa infame saga de niños parlanchines, cuyo doblaje perpetrado por Moncho Borrajo y Rosa María Sardá, logró sacarnos de quicio a finales de los ochenta y principios de los noventa.

El retorno

El actor, tan pasado de kilos como de años, bordó el papel de Vicent Vega en uno de los gajos de ese cítrico mosaico de historias titulado “Pulp Fiction” en el que compartía cartel con estrellas como Samuel L.Jackson, Bruce Willis o Uma Thurman, con la que protagonizó uno de los bailes más recordados de la historia del cine, moviéndose a golpe de cadera al compás de “You never can tell”.

El empujón de Tarantino significó todo un espaldarazo para Travolta, el cual volvió a ser conocido (y reconocido) en la esfera internacional; pese a lo cual no aprendió de pasados errores y continuó alternando auténticos petardos fílmicos con películas en las que el cienciólogo (¿qué les dará esta Iglesia?) supo sacar a relucir todo su talento.
Dentro de este último grupo se encuentran personajes como el de Chili Palmer en “Cómo conquistar Hollywood”, adaptación de una novela de Elmore Leonard dirigida por Barry Sonnenfeld, un fotógrafo experimentado que consiguió la fama como director con “La familia Adams”.

Este pícaro mafioso de ojos azules no sólo conquisto la meca cinematográfica como reza el título, sino también a millones de espectadores, lo que ha supuesto su regreso una década después, intentando ahora aplicar su talento para los negocios en el mundo de la música.
Tras el asesinato de uno de sus grandes amigos, (James Woods), Chili se ve en la obligación moral de visitar a su desconsolada viuda Edie, (Uma Thurman) a la que encuentra desvalida al frente de un decadente sello discográfico condenado al fracaso sin una voz de talento a la que lanzar al estrellato. Chili, conocedor de las intenciones de su desaparecido colega, intentará fichar para la compañía a una prometedora artista llamada Linda Moon (Christina Milian).

Pero lejos de ser una tarea sencilla, Palmer se verá envuelto en una complicada trama, en la que tendrá que aplicar todo su ingenio, al más puro estilo Corleone, para quitarse de en medio al agente de la chica, a un voraz productor y a un grupo de peligrosos mafiosos rusos que se compincharan para truncar sus planes.

Vuelta a la comedia

No encontramos, pues, ante una de las comedias más esperadas de la temporada, que si bien es bastante entretenida para ocupar una tarde dominical, no logra superar las expectativas sembradas por su antecesora.

A pesar de ello, el director F. Gary Gray, ha sido capaz de situar varios guiños de notable calidad a lo largo de esta alocada trama que logra aunar los talentos de grandes estrellas del celuloide actual, como los citados Travolta, Thurman o Danny Devito y Harvey Keitel, aunque todos se ven eclipsados por la sorprendente, a la par que hilarante, actuación de uno de los más duros, The Rock, muy alejado de su estereotipo habitual al convertirse en un matón sentimentaloide que comparte sueños con los chicos de la academia más famosa de la televisión y al que más vale no dar la espalda.

No podemos terminar si mencionar el espectacular versión del Cryin que se marca la pizpireta Christina Milian y el cabecilla de los Aerosmith, y mucho menos el reencuentro de Travolta con la pista de baile, que sin embargo nos demuestra que cualquier tiempo pasado fue mucho mejor.

Iván Vargas en Edición Limitada DVD

Ray

2006-02-22T11:01:00.000+01:00

Un fenómeno digno de estudio es la facilidad con la que la sociedad americana levanta nuevos ídolos cada día. Esta costumbre, cada vez más extendida al resto de comunidades (y si no que se lo pregunten a David Bisbal, Bustamante o cualquier “gran hermano”) tiende a confundir incluso a los propios protagonistas, los cuales ven en poco tiempo como pasan de no tener nada a ver depositados millones de ojos sobre ellos.
El asomarse al precipicio de la fama provoca -en multitud de ocasiones- graves problemas de adaptación a la nueva situación, lo cual lleva a que busquen refugio en el mundo de la droga.

Así podría resumirse el argumento de “Ray”, que cuenta la vida de uno de los más prolíficos y exitosos cantantes de la historia yankee. Una existencia, que lejos de ser el típico cuento de hadas protagonizado por otros muchos compañeros de profesión, arrastró al artista al oscuro mundo de las drogas, algo que sin duda condicionó muchas de sus composiciones.
Marcado por una traumática infancia, que le obligó a ser testigo de la muerte de su hermano pequeño y en la que progresivamente fue perdiendo la visión, aprendió a valerse por si mismo gracias a la fuerza de una madre luchadora que le enseñó a vivir con su desgracia y a sacar provecho de su minusvalía.
Aunque puede parecer extraño, sus orígenes musicales se encuentran enmarcados dentro de un grupo country, que pronto abandonaría en busca de una mayor proyección. Pero Ray, que no encontró el apoyo de un amigo y que fue despreciado por sus compañeros debido a su condición de ciego, quiso hacer un último intento por integrarse y comenzó a coquetear con la heroína, una compañera de viaje que permanecería junto a él muchos años.
Poco a poco, y con mucho esfuerzo por superar las barreras que la sociedad americana le ponía en su camino, logró ir haciéndose notar en el mundo de la música hasta que la Atlantis Records creyó en él y le catapultó al estrellato, consiguiendo grandes éxitos que no lograron llenar su vida, aunque si su cama, siendo el protagonista de tórridas aventuras sexuales con algunas de sus coristas.

Cuestión de modas

Las películas biográficas están en boga, prueba de ello son las estatuillas obtenidas por la propia “Ray” o “Mar Adentro” en la última edición de los Oscar, las cuales compartieron protagonismo “El Aviador”, filme dirigido por ese gran gafe de la industria hollywoodiense que es Martin Scorsese y protagonizada por un cada vez más rollizo Leonardo Di Caprio.

Estas tres películas son tan solo una muestra del giro que está tomando Hollywood en los últimos años, que con el lanzamiento de cintas del tipo “Ali”, “Alejandro Magno” o “Monster”, refleja de una forma diáfana lo complicado de encontrar buenos guiones sin recurrir a la historia, mostrando de paso la carencia imaginativa -si alguna vez la tuvo- de la maquinaria del celuloide estadounidense.

La gran parte de estos biopics, nos hacen sufrir frente a la pantalla un desarrollo tan forzado como el caso que nos ocupa. De hecho, “Ray” tan solo se convierte en una buena película gracias a la labor actoral de Jamie Foxx, el cual borda su papel como ya lo hizo acompañando a Tom Cruise en “Collateral” y como seguro hará cuando le veamos compartiendo pantalla con Collin Farell en la adaptación cinematográfica de “Corrupción en Miami”.

Junto al oscarizado actor, desfilan en las más de dos horas y media de metraje nombres como Regina King, Kerry Washington o Clifton Powell, los cuales no aportan nada de valor a una trama ya de por sí insustancial y cuyo principal responsable es Taylor Hackford. Éste, creador de románticos pastelazos como “Oficial y Caballero” o “Cuando me enamoro” , nos ofrece esta vez una historia en la que se mezclan el éxito, las drogas y la decadencia.

Por último, y para una labor tan difícil como es el hacer la banda sonora original de una película basada en la vida de un cantante de éxito, los productores confiaron en Craig Armstrong, compositor que cuenta en su currículum con éxitos como “Moulin Rouge”, “Love Actually” o “El americano impasible”, y que vuelve a demostrar en esta ocasión su enorme valía a la hora de crear las notas que acompañan el desarrollo de un filme que, pese a las buenas intenciones, no logra rebasar el listón de la banalidad.

Iván Vargas en Edición Limitada DVD

Ocean´s Twelve

2005-10-18T14:20:00.000+02:00

Tras el enorme éxito que supuso en las taquillas el remake de la película de protagonizada por Frank Sinatra y Dean Martin, “Ocean´s Eleven”, el regreso de los chicos de George Clooney estaba más que cantado, haciendo –de paso- bueno el dicho “segundas partes nunca fueron buenas”.

Y es que, con un argumento cogido entre alfileres y unos actores demasiado centrados en su lucimiento personal, el producto resultante no llega ni de lejos a parecerse a su predecesora, tal vez porque el guión de esta segunda parte partió de cero y no tenía una base de donde, como diría Ana Rosa Quintana, “tomar ideas”.

Ya han pasado tres años desde que Danny Ocean y su equipo desvalijaran las arcas de Terry Benedict (Andy García), uno de los más poderosos empresarios de la industria del juego en Las Vegas. Tras perder cerca de 160 millones de dólares de una forma casi bochornosa, Benedict está más que enfadado, y no parará hasta recuperar su dinero. Los chicos de Ocean han repartido ganancias y han seguido caminos diferentes tratando de pasar desapercibidos a ojos de la justicia, y sobre todo, tratando de evitar a los matones de Benedict. Tarea que les resultará harto complicada cuando la competencia decide delatarlos a su gran perseguidor, que en esta ocasión se muestra clemente.

El trato es sencillo: devolver el dinero hurtado con sus correspondientes intereses. Algo difícil si te has dedicado a vivir a lo grande como es el caso de esta panda de pillos.
Con este panorama las opciones son pocas, y tendrán que estrujarse las neuronas para tratar de reunir el pago de su libertad en el plazo fijado. Por si esto fuese poco, la banda tendrá que enfrentarse a otros inconvenientes que no hacen más que complicar su situación.

Más de lo mismo

Como era de esperar, el argumento supone una nueva vuelta de tuerca a su precuela, pero con una diferencia, pues en esta ocasión la historia gira en torno a Brad Pitt, y no al famoso doctor Ross de Urgencias.

El proteínico rubio eclipsa por completo a sus compañeros de reparto, y destila una química especial cuando aparece en pantalla junto a Catherine Zeta-Jones, que encarna a la policía encargada de investigar una serie de misteriosos robos que están siendo cometidos en la ciudad. ¿Casualidad?

El actor, acostumbrado a alternar actuaciones notables en películas de calidad, como “Kalifornia”, “El Club de la Lucha” o “Seven”; con papeles mediocres en filmes que no tienen más valor que el rollo en que se graban ( “The Mexican” o “Cool World” ), ha sido injustamente encasillado por la industria de Hollywood, que ha visto en él tan sólo una cara bonita y un reclamo para las quinceañeras. Todo lo contrario que Julia Roberts, actriz que tan solo se dedica a lucir sonrisa y nulas dotes interpretativas en cada uno de sus papeles y que, sin embargo, ha sido capaz de ganar un Oscar a golpe de escote por “Erin Brockovich”.

Por los que respecta al resto del reparto, nada nuevo bajo el sol. Tan sólo la elegancia (la belleza se le supone) de Catherine Zeta-Jones, la habitual inexpresividad de Matt Damon y un absurdo cameo del sobreactuado Bruce Willis.

Dirección sin rumbo

El director que ya lo fue de la primera parte, debutó en el mundo del cine filmando un concierto del grupo “Yes” lo cual le valió una nominación a los Grammy. Mucho ha pasado desde esta primera incursión en 1986, y por sus manos han pasado proyectos desde “Sexo, mentiras y cintas de vídeo” hasta “Traffic”, pasando por “Solaris” (de la cual suponemos no estará muy orgulloso).

Se trata de Steven Soderbergh, el cual, conciente del proyecto en el que se hallaba embarcado se limita a realizar una película entretenida, glamorosa y de fácil digestión para el espectador. En fin, mucho collar para tan poco gato.

Por lo que respecta a la música, de la cual es responsable David Colmes, se limita simplemente a acompañar el desarrollo propio del film recogiendo la esencia misma del ambiente que se respira a lo largo de los 135 minutos de proyección.

Se trata por esto de una película recomendable para pasar un rato distendido y darnos cuenta de la cruda realidad y cuanto nos hacen falta unas horitas semanales de gimnasio para parecernos a alguno de los protagonistas.

Iván Vargas en Edición Limitada DVD

Misteriosa Obsesión

2005-10-18T13:54:00.000+02:00

Al ver una película, es algo habitual que el espectador se identifique con el protagonista de la misma- ¿Quién no ha sentido como propios los golpes que recibía el desabrido Silvester Stallone en “Rocky” o se ha creído un miembro más de la familia Corleone en la excepcional trilogía de “El Padrino”?

Pero hay veces que esta simbiosis puede provocarnos bastantes tensiones. Unas veces en tono más cómico (como sucede con la sofisticada aventura urbana “Jo, que noche”) y otras de forma más cruda. Tal es el caso de la genial “Efecto mariposa” o el filme que nos ocupa, “Misteriosa obsesión”, películas ambas en los que el personaje principal se ve atrapado en una pegajosa tela de araña de la cual es muy difícil desenmarañarse.

Imagine nuestro lector que todo lo que recuerda, incluida su familia, ha sido producto simplemente de su calenturienta imaginación, ya que nada es lo que realmente aparenta. Es en una situación similar donde se encuentra la génesis de “Misteriosa obsesión”.
En este caso, han pasado más de dos años desde que Telly Paretta (Julianne Moore) perdió a su joven vástago Sam debido a un terrible accidente aéreo. Este irreparable malogro amenaza con quebrar la salud mental de nuestra protagonista. Pero ahí no acaba todo, pues según van avanzando los días, la sufrida madre observa atónita como alguien intenta borrar al pequeño fallecido de sus recuerdos por medio de la eliminación tanto de fotografías como de cualquier rastro relacionado con él.

Presa de un ataque de furia contra su esposo –al que acusa de estos extraños sucesos- Telly se refugia en la terapia del Doctor Munce, el cual no hace sino potenciar sus problemas al asegurarle que el fruto de sus entrañas es tan solo producto de su mente enferma.
Dado lo extraño de la situación, la sufrida pelirroja se resiste a creer que se haya vuelto completamente loca y emprende una cruzada en pos de encontrar alguna prueba de la existencia del pequeño. En la búsqueda se topará con un dipsómano ex jugador profesional (Dominic West), que según el personaje interpretado por la bella protagonista de “Las horas” es el padre de una niña que murió en el mismo accidente que su hijo.

Más de lo mismo

Joseph Ruben, creador de filmes como “Durmiendo con su enemigo” o “El buen hijo”, nos acerca un filme sin grandes pretensiones, entretenido y vivo, algo muy de agradecer en estos tiempos. Lo mismo ocurre con su metraje, pues los aproximadamente noventa minutos filmación se antojan como justos y necesarios para un tipo de rollo como este, y demuestra además que no es necesario estar casi dos horas frente a la pantalla para que no suceda nada reseñable (los que hayan visto “El bosque” me comprenderán).

A esto hay que unir como el no siempre original Ruben da algunos momentos destacables en los que inserta unos buenos golpes de efecto genialmente rodados, si bien dejan esa sensación de dejavú tan típica del cine actual.

Centrándonos en la labor actoral, nada destacable, si acaso el buen hacer de Julianne Moore como madre desesperada que recuerda a una invitada de “El diario de Patricia”. Su partenaire, Dominic West (“La sonrisa de Mona Lisa”), luce su habitual cara de recién levantado aunque continua sin transmitir absolutamente nada al espectador, el cual esperará en balde que muestre alguna emoción.

Por último, dos visiones personales que giran en torno al cine actual y que –a mi humilde parecer- habría que estudiar en profundidad. Mi primera reflexión gira en torno a la proliferación de trailers que no tienen nada que ver con la trama de la película. ¿Alguien sabe el por qué de esta moda?, pues si bien en algunos filmes esta tendencia no es tan acusada, en otros casos descubrimos como lo que se nos anuncia no tiene nada que ver con lo que luego aparece en la pantalla (tal es el caso de la anteriormente mencionada “El bosque” o la propia “Misteriosa obsesión”).

El segundo producto de mi frustración en torno al cine radica en las absurdas traducciones que hacemos de los títulos de habla inglesa. Si alguien es capaz de explicarme que relación existe entre “The forgotten” y “Misteriosa obsesión” que no dude en llamarme, ya que ardo en deseos de saberlo.

Iván Vargas en Edición Limitada DVD

El Álamo

2005-09-15T16:33:00.000+02:00

El cine americano ya no es lo que era, o al menos esa es la impresión que nos queda tras la casi completa desaparición de esos filmes de autor en los que podíamos disfrutar de historias profundas y delicados guiones, a favor de grandes producciones que poco aportan a unos cada vez más defraudados espectadores.

Un claro ejemplo de que la industria hollywoodiense está perdiendo su originalidad y la capacidad de riesgo es la proliferación de remakes de antiguas películas que años atrás supusieron grandes éxitos. Así, a lo largo del último lustro, los espectadores hemos tenido que “sufrir” las nuevas versiones de “Psicosis”, “Un crimen perfecto”, “El planeta de los simios” o incluso “Al diablo con el diablo”, las cuales tan solo han servido para hacernos comprender que cualquier tiempo pasado fue, sin duda, mucho mejor. ¿Qué fue de mayo del 68?, ¿Dónde quedó el lema de “la imaginación al poder”?... parece que quedaron sepultadas bajo el peso de la historia.

En esta línea es donde se encuentra el filme que nos ocupa, “El Álamo”, una superproducción de los estudios Disney basada en la historia real que aún sigue muy presente en la historia americana, lo cual queda patente en como este antiguo fuerte es una de las atracciones turísticas más importantes de San Antonio y recibe al año dos millones y medio de visitantes que buscan conocer de primera mano un sitio histórico. A esto hay que unir como ofrece al visitante un museo, una capilla, una biblioteca donde es posible conocer cada uno de los detalles sobre lo sucedido, e incluso una tienda de souvenirs.

Para llevar a buen puerto este blockbuster, la factoría Disney confió en el director John Lee Hancock (The Rookie), el cual pudo contar con una amplia nómina de estrellas del celuloide como Dennis Quaid, Billy Bob Trotón, Patrick Wilson, Jason Patric, Emilio Echevarría o el español Jordi Mollá, ninguno de los cuales hizo una interpretación digna siquiera de mención.

La historia

Este filme nos narra los acontecimientos sucedidos allá por el mes de febrero de 1836 en la capilla de la Misión de San Antonio de Valero, bautizada con el nombre de El Álamo.
Ya desde finales de 1835, un ejército integrado por voluntarios tejanos tomaron la ciudad de San Antonio y ocuparon El Álamo ha fin de encontrar su independencia de los mejicanos. Ya en febrero del año siguiente, llegó allí el ejército mejicano de la mano del General Antonio de Santa Ana, manteniendo el sitio durante trece días, hasta que se decidió a atacar, matando a los casi doscientos americanos que se encontraban en la capilla convertida en fuerte.

La historia nos muestra dos grupos enfrentados, ninguno de los cuales despierta en un principio nuestra simpatía. Por un lado encontramos un militar tirano y que aún es considerado un traidor a la patria; un dictador que hizo caso omiso de la opinión de sus hombres provocando la pérdida total de las tierras, mientras que por otro están los defensores de la añeja misión católica tornada en cuartel, los cuales tampoco eran un dechado de virtudes, ya que se trataba de hombres que tan solo se encontraban en El Álamo en busca de su propia riqueza personal.

En resumen, se trata de una producción cuya trama está plagada de reminiscencias del cine épico y del western, pese a lo cual no llega en ningún momento al nivel de su predecesora, a lo que hay que unir la nula aportación de nuevos elementos por parte de los guionistas. Si acaso, podemos destacar que este dvd puede servir para dar a conocer a las nuevas generaciones un amargo episodio en la historia estadounidense.

Con esto, el estreno de “El Álamo” supuso un rotundo fracaso en las taquillas norteamericanas, pues tras una inversión de aproximadamente 140 millones de dólares en producción y comercialización, la película solamente logró recaudar nueve millones en su primer fin de semana, lo cual provocó que las acciones de la factoría cayeran significativamente en la Bolsa de Nueva York.

Por último, quisiera aprovechar estas líneas para lanzar un guante que espero que alguien recoja. Se trata de la petición de incluir en los carteles cinematográficos un pequeño llamamiento en el que se indique que: “Los remakes perjudican seriamente la salud” (del espectador en este caso).

Iván Vargas en Edición Limitada DVD

Imagining Argentina

2005-09-05T17:44:00.000+02:00

Directores como Ken Loach o Icíar Bollaín son claro ejemplo de cineastas que se han comprometido con un tipo de cine que desde su gestación ha tenido la intención de aportar su granito de arena llevando a la pantalla grande los graves excesos protagonizados por las diferentes formas de poder a lo largo de toda la historia. Este cine de protesta tiene una serie de elementos comunes como es el de la aproximación transparente a la realidad basándose en contenidos dramáticos tomados de hechos reales y actores con amplios márgenes para la interpretación.

Si seguimos esta serie de listados no escritos, no hay duda que “Imagining Argentina” es un claro ejemplo que debe unirse a una lista que cuenta con películas como “La cuadrilla”, “Pan y rosas”, “Flores de otro mundo” o “Las hermanas de Magdalena”.

Y es que la dictadura militar acaecida entre 1976 y 1983 en Argentina ha sido uno de los periodos más negros de la historia del país sudamericano. Durante estos más de siete años, los ciudadanos argentinos se vieron envueltos en una situación dantesca que dejó unas terribles secuelas, tales como la caída del salario real, desocupación, desindustrialización; y la mayor de las heridas: los cerca de 30.000 desaparecidos que fueron condenados, torturados y aniquilados. Es precisamente al comienzo de esta dictadura donde se sitúa “Imagining Argentina”.
Carlos Rueda (encarnado por un Antonio Banderas sobrio, comedido y que no recuerda en nada a aquel “chico Almodóvar” que enamoró a la diva de pop Madonna) es director de un teatro infantil en Buenos Aires que ve como en un cortísimo espacio de tiempo son raptadas tanto su mujer Cecilia (Emma Thompson) –periodista que no duda en denunciar en sus artículos las múltiples desapariciones de civiles- como su hija Teresa, a la cual personifica genialmente Leticia Dolera, una joven actriz salida de aquella factoría que nos atormentaba cada mediodía llamada “Al salir de clase” y de donde han surgido, entre otros, Alejo Sauras, Elsa Pataky, Victor Clavijo o Pilar López de Ayala (a la que podemos ver actualmente junto a Robert de Niro en “El puente de san Luis Rey”).

Durante su búsqueda, Carlos se da cuenta de que posee un don mágico, pues sueña despierto y ve claramente el destino de los desaparecidos. Sin embargo, algo le impide “imaginar” lo que le ha pasado a Cecilia. A punto de volverse loco, lucha con las únicas armas a su alcance, unas armas que nadie podrá quitarle jamás: la imaginación, las historias y los secretos místicos del espíritu humano.

El guionista y director de esta cinta, Christopher Hampton, nos trae un filme profundo y sin artificios que se dedica a mostrarnos una situación límite y como el amor es el único elemento de cohesión válido en estas circunstancias desesperadas.

Doce años después de leer y enamorarse de la novela “Imagining Argentina” Hampton logró su objetivo de llevarla a la gran pantalla. Este director – que ha ido compaginado su trabajo como autor teatral con el de guionista de programas de televisión y de cine- ha logrado una película que se desarrolla en muchos niveles: el de la realidad, el de la imaginación, el de los sueños y de las visiones. Además, no ha caído en el error de novelizar ni vulgarizar la historia, pues destila un gran respeto por la gente que vivió esta amarga tesitura, reflejando a su vez el horror que tuvieron que pasar y como la imaginación se erigió en una herramienta esencial de la supervivencia. Y sólo mediante la imaginación pudieron cambiar su mundo a uno mejor.

El único pero que podríamos encontrar a esta obra es la poca relevancia que el propio guión da a unos hechos tan terribles (que se convierten en mero adorno decorativo dentro del thriller), lo cual le costó al rollo un grave vapuleo en el conocido Festival de Venecia, con ataques tanto de público como de crítica.

Ivan Vargas, publicado en Edición Limitada DVD

La búsqueda

2005-09-05T17:34:00.000+02:00

Propongo desde estas líneas un sencillo ejercicio de memoria y perspicacia cinematográfica. Piense, estimado lector, en el siguiente hilo argumental e intente averiguar a que película me refiero: Un buscador de tesoros con aspiraciones a arqueólogo embutido en una chaqueta de cuero pasada de moda por unas cuantas décadas y una guapa partenaire en busca de dar algo de emoción a su gris vida rodeada de libros, se disponen a emprender la búsqueda de algo que no saben muy bien que es.

Por si nuestro lector aún no tiene suficientes pistas le daré un par más. La primera de ellas es que la pareja se convierte en trío al unírsele un tercer miembro a cargo del cual está el intentar dar el habitual toque humorístico en forma de absurdos y manidos chistes.
La segunda pista es la aparición en escena (¡oh sorpresa!) del padre del protagonista (un John Voight recién sacado de un “arreglo” de chapa y pintura como si de Sara Montiel se tratase), el cual comparte oficio con su vástago y que cree que uniéndose al cada vez más nutrido grupo podrá recuperar esos años que lleva tirado en el sillón.

Supongo que con estas pistas todos ustedes habrán deducido que la película de la que hablamos es “La búsqueda” (¿o qué se creían?), última superproducción del archiconocido Jerry Bruckheimer y que –además de tener un título horrendamente traducido- cuenta con la presencia de Nicolas Cage y esa vacua Helena de Troya llamada Diane Kruger.

En busca de la originalidad perdida
Al igual que su padre y su abuelo, Benjamin Franklin Gates (Nicolas Cage) desempeña un oficio tan habitual como el de buscador de tesoros (¿quién no tiene uno en su círculo de amigos?), pero mientras que sus antecesores se pasaron media vida siguiendo la pista de la legendaria posesión de los templarios, él se encuentra en la necesidad de descifrar la clave esencial para descubrir su paradero, que se oculta en los billetes de un dólar.

Después de ser abandonado en medio del Círculo Polar Ártico por un supuesto colega que se acaba convirtiendo en el siempre necesario enemigo (Sean Bean), nuestro protagonista se dirige a Washington para tratar de convencer a la guapa funcionaria encargada del Archivo Nacional de que la Declaración de Independencia corre peligro.

¿Qué hace un actor como tú en una película como esta?
Desde su magistral actuación en la no menos excepcional “Corazón Salvaje”, Nicolas Cage ha estado en el top interpretativo, pero esa obsesión casi enfermiza del sobrino de Francis Ford Coppola de no encasillarse en ningún personaje le ha llevado a alternar papeles de calidad como en “Living las Vegas” con otros de mucha menor enjundia; tal es el caso de “60 segundos”, “La mandolina del Capitán Conelli” o “La búsqueda” que nos ocupa, donde ese hombre con rostro de desheredado y principio de depresión, adornado por un vano intento de disimular la calvicie con un peinado tan sujeto como imposible, no resulta muy creíble.

Parece, pues, que el ganador del Oscar en 1996, no conforme con esa mutación a lo Bruce Willis en la “La jungla de cristal” que ha sufrido en las tres ocasiones en que se ha puesto a disposición de Bruckheimer (“La roca”, “Con air” y “60 segundos”) ha tropezado con la misma piedra por cuarta –y esperemos última- vez.

Por lo que respecta a la banda sonora, Trevor Rabin fue el encargado de poner el fondo musical a esta peculiar aventura. Parece que el compositor ha abandonado la receta que tanto éxito le dio en filmes como “Texas Ranger” para ofrecernos un claro ejemplo de tedio musical.
Para concluir, hay que destacar como el propio productor se fijo en Jon Turteltaub (antiguo compañero de clase de Cage) para llevar la película a buen puerto. Turteltaub, conocido por su dirección en películas del “calibre” de “The Kid” o “Tres pequeños ninjas” no lo dudó y dio a Bruckheimer lo que tanto le gusta: acción, espectacularidad y, sobre todo, éxito en taquilla. Como decía Julio César: “Pan y circo”.

Ivan Vargas, publicado en Edición Limitada DVD

La Física del Viaje en el Tiempo

2005-08-16T16:49:00.000+02:00

¿Es real o sólo un cuento?

En la novela de H.G. Wells, La Máquina del Tiempo, nuestro protagonista saltó a una silla especial con luces parpadeantes, giró unos pocos mandos, y se vio catapultado algunos cientos de miles de años al futuro, donde Inglaterra había desaparecido mucho tiempo atrás y estaba ahora habitada por extrañas criaturas llamadas Morlocks y Eloi. Esto puede haber creado una gran obra, pero los físicos siempre se han burlado de la idea de los viajes en el tiempo, considerándolo reino de excéntricos, místicos, y charlatanes, y con buenas razones.

Sin embargo, unos avances bastante importantes en la gravedad cuántica están revitalizando esta teoría; se está convirtiendo en el juguete de los físicos teóricos que escriben en las páginas de la revista Physical Review. Un persistente problema en el viaje en el tiempo es que está plagado de distintos tipos de paradojas. Por ejemplo, está la paradoja del hombre sin padres, es decir, ¿Qué pasa cuando vuelves atrás en el tiempo y matas a tus padres antes de que hayas nacido?. Pregunta: Si tus padres murieron antes de que nacieras, entonces ¿cómo podrías haber nacido para matarlos en primer lugar?.

Está también la paradoja del hombre sin pasado. Por ejemplo, digamos que un joven inventor intenta sin éxito construir una máquina del tiempo en su garaje. De pronto, un hombre mayor aparece de ninguna parte y le da al joven el secreto para construir la máquina del tiempo. El joven entonces se convierte en alguien extremadamente rico jugando en el mercado de valores, carreras, y eventos deportivos debido a que conoce el futuro. Entonces, cuando es viejo, decide hacer un viaje final hacia el pasado y darle el secreto del viaje en el tiempo a su yo más joven. Pregunta: ¿De dónde vino la idea de la máquina del tiempo?. También tenemos la paradoja del hombre que es su propia madre (mis disculpas a Heinlein.) “Jane” es abandonada en un orfanato. Cuando “Jane” es una adolescente, se enamora de un vagabundo, que la abandona pero la deja embarazada. Entonces se dispara el desastre. Está a punto de morir dando a luz un bebé, que es misteriosamente secuestrado. El doctor advierte que Jane se está desangrando peligrosamente, pero, extrañamente, tiene ambos órganos sexuales. Por lo que, para salvar su vida, convierte a “Jane” en “Jim.”

“Jim” a partir de este momento se convierte en un loco borracho, hasta que encuentra un amistoso camarero (en realidad un viajero en el tiempo disfrazado) que lanza a “Jim” de vuelta al pasado. “Jim” conoce a una preciosa adolescente, y la deja embarazada por descuido. Consciente de su culpa, rapta al bebé y lo deja en un orfanato. Más tarde, “Jim” se une al cuerpo de viajeros en el tiempo, llevando una vida distinguida, y solo tiene un sueño: disfrazarse de camarero para encontrar a cierto borracho llamado “Jim” en el pasado. Pregunta: ¿Quién es la madre, padre, hermano, hermana, abuelo, abuela, y nietos de “Jane”?.

No es sorprendente que el viaje en el tiempo siempre haya estado considerado como un imposible. Después de todo, Newton creía que el tiempo era como una flecha; una vez disparada, permanecía en una línea recta inamovible. Un segundo en la Tierra era un segundo en Marte. Relojes dispersos por todo el Universo latirían al mismo ritmo. Einstein nos dio una imagen mucho más radical. De acuerdo con Einstein, el tiempo es más como un río, que serpentea alrededor de estrellas y galaxias, acelerando y decelerando cuando pasa alrededor de cuerpos masivos. Un segundo en la Tierra NO es un segundo en Marte. Relojes dispersos a través del Universo latirían a su propio ritmo distante.

Sin embargo, antes de que Einstein muriera, se vio frente a un embarazoso problema. El vecino de Einstein en Princeton, Kurt Goedel, quizá el Lógico Matemático más grande de los últimos 500 años, encontró una nueva solución a las propias ecuaciones de Einstein ¡que permitían el viaje en el tiempo!. El “río del tiempo” ahora tenía remolinos en los cuales podría curvarse sobre sí mismo en un círculo. La solución de Goedel era bastante ingeniosa: postuló un Universo repleto de un fluido rotante. Cualquiera que anduviese a lo largo de la dirección de rotación se encontraría de vuelta en el punto inicial, ¡pero antes en el tiempo!.

En sus memorias, Einstein escribió que estaba preocupado porque esta ecuación contenía soluciones que permitían el viaje en el tiempo. Pero por fin concluyó: el Universo no rota, se expande (es decir como en la Teoría del Big Bang) y por esto la solución de Goedel podría ser desestimada por “razones físicas”. (Aparentemente, si el Big Bang fuese rotacional, ¡sería posible viajar en el tiempo por el Universo!).

Entonces en 1963, Roy Kerr, un matemático neozelandés, encontró una solución de las ecuaciones de Einstein para un agujero negro rotacional, el cual tendría propiedades inverosímiles. El agujero negro no colapsaría en un punto (como se pensaba previamente) sino en un anillo giratorio (de neutrones). El anillo circularía tan rápidamente que la fuerza centrífuga mantendría al anillo fuera del colapso gravitacional. El anillo, entonces, actuaría como el Espejo de Alicia. Cualquiera que camine a través del anillo no moriría, sino que podría pasar a través del anillo a un Universo alternativo. Desde entonces, se han encontrado cientos de otras soluciones de “agujeros de gusano” en las ecuaciones de Einstein. Estos agujeros de gusano conectan no solo dos regiones del espacio (de aquí su nombre) sino también dos regiones del tiempo. En principio, pueden ser usados como máquinas del tiempo.

Recientemente, los intentos de sumar la Teoría Cuántica y la gravedad (y de aquí crear la “Teoría del Todo”) nos ha dado algún entendimiento sobre los problemas de las paradojas. En la Teoría Cuántica, podemos tener múltiples estados de cualquier objeto. Por ejemplo, un electrón puede existir simultáneamente en diferentes órbitas (un hecho que es responsable de darnos las Leyes de la Química). De forma similar, el famoso gato de Schrodinger podría existir a la vez en dos posibles estados: muerto y vivo. Por esto al volver atrás en el tiempo y alterar el pasado, estamos simplemente creando un Universo paralelo. De modo que cambiaremos el pasado de alguien, digamos salvando a Abraham Lincoln de ser asesinado en el Teatro Ford, pero nuestro Lincoln permanecerá muerto. De esta forma, el río del tiempo se divide en dos ríos separados. ¿Pero esto significa que seremos capaces de saltar en la máquina de H.G. Wells, girar un mando, y lanzarnos varios cientos de miles de años a la Inglaterra del futuro?. No. Hay un número de difíciles obstáculos que superar.

Primero, el problema principal de la energía. Del mismo modo que un coche necesita gasolina, una máquina del tiempo necesita una fabulosa cantidad de energía. O se tiene la energía de una estrella, o se busca algo llamado “materia exótica” (la cual cae hacia arriba más que hacia abajo) o buscar una fuente de energía negativa. (Los Físicos pensaban que la energía negativa era imposible. Pero se han verificado experimentalmente pequeñas cantidades de energía negativa mediante algo llamado el Efecto Casimir, es decir, la energía creada por los discos paralelos). Todas estas son extremadamente difíciles de conseguir en grandes cantidades, ¡al menos por unos cuantos siglos!.

Entonces tenemos el problema de la estabilidad. El agujero negro de Kerr, por ejemplo, puede ser inestable si se cae a través de él. De forma análoga, los efectos cuánticos pueden crear y destruir el agujero negro antes de entrar en él. Por desgracia, nuestras matemáticas no son lo bastante potentes para dar respuesta a estas cuestiones de estabilidad debido a que se necesita una “Teoría del Todo” que combine ambas, las fuerzas cuántica y de la gravedad. En la actualidad, la Teoría de supercuerdas en el principal candidato para tal teoría (de hecho, es el ÚNICO candidato; no tiene rivales después de todo). Pero la Teoría de supercuerdas, que casualmente es mi especialidad, es aún difícil de resolver por completo. La teoría está bien definida, pero nadie en la Tierra es lo bastante inteligente como para resolverla.
Lo bastante interesado, Stephen Hawking en una ocasión se opuso a la idea del viaje en el tiempo. Incluso reivindicó que tenía una evidencia “empírica” contra esto. Si el viaje en el viaje en el tiempo existía, dijo, entonces tendríamos que estar siendo visitados por turistas del futuro. Dado que no vemos turistas del futuro, podemos concluir: el viaje en el tiempo es imposible. Debido a la enorme cantidad de trabajo hecho por los físicos teóricos en los últimos 5 años más o menos, Hawking ha cambiado desde entonces su pensamiento, y ahora cree que el viaje en el tiempo es posible (aunque no necesariamente práctico). (Además, quizás simplemente no somos muy interesantes para estos turistas del futuro. Cualquiera que pueda tener la energía de una estrella nos consideraría muy primitivos. Imagina a tus amigos cruzando una colina de hormigas. ¿Se agacharían hacia las hormigas y les darían regalos, medicinas, libros y energía?. ¿O alguno de tus amigos tendría el extraño impulso de pisar algunas de ellas?). En conclusión, no rechaces a una persona que llame a tu puerta un día y diga ser tu futuro tataranieto. Puede que sea cierto.

Michio Kaku

Reflexiones sobre el tiempo

2005-08-12T21:58:00.000+02:00

Los viajes en el tiempo. El discurso sobre los viajes en el tiempo introduce otro tipo de infinito...

Se habla mucho de la posibilidad de viajar a través del tiempo, tanto en los textos científicos como en aquellos de ciencia ficción. La idea la sugirió por primera vez H.G. Wells en su famosa novela titulada La máquina del tiempo.

A nivel científico se empezó a hablar de ello cuando el conocido lógico Kurt Gödel demostró, de forma más bien inesperada, que, según la teoría de la relatividad general de Einstein (que describe con todo detalle la gravedad y la dinámica de todo el universo), los viajes en el tiempo son posibles. Gödel encontró la exacta solución de las ecuaciones de Einstein para descubrir los universos posibles (que, contrariamente al nuestro, giraban muy veloces y en los cuales se podía viajar en el tiempo).

Algunos piensan que Gödel se interesaba por este aspecto del universo a causa de su paranoico miedo a la muerte, y que había vislumbrado la posibilidad de seguir viviendo de esta manera más bien extraña. Nuestra experiencia en lo que respecta al espacio y al tiempo es más bien limitada.

Sólo hemos llegado a la Luna. Poseemos una experiencia personal, que dura apenas unas décadas, noticias históricas que se remontan a hace algunos miles de años y fósiles que tienen pocos miles de años.

Más todas estas experiencias conciernen a partes del Universo cuyas condiciones son muy moderadas: la gravedad es débil, la densidad es baja y los objetos pesados se mueven mucho más lentamente con respecto a la luz.

Ya en 1949, el lógico Kurt Gödel descubrió que la teoría de Einstein permite la concreción de los viajes en el tiempo, sin embargo aún no sabemos si se pueden realizar en nuestro universo particular.

Si los viajes en el tiempo son factibles, nos encontramos ante una incoherencia de la Naturaleza, porque, según parece, cambiando el pasado podríamos crear unas contradicciones que impedirían el presente. Podríamos matar a un antepasado nuestro excluyendo, de tal forma, la posibilidad de nuestro nacimiento. Nuestra experiencia, pues, se convertiría en una contradicción lógica.

Un ejemplo práctico

Imaginad que vosotros viajais hacia atrás en el tiempo y que vais a pegaros un tiro a vosotros mismos siendo niños. Estais decididos a crear una paradoja de ese tipo en el Universo. Dirigís la pistola contra vosotros mismos estando en los brazos de vuestra madre...

... Apretais el gatillo, pero una antigua herida en el hombro debida a que vuestra madre os dejó caer, os hace fallar el tiro.

...Sin embargo, el disparo asusta a vuestra madre de tal manera que deja caer al niño al suelo, el cual se hace daño en el hombro.